^{di Paolo Biondo}

È uscito il 15 gennaio 2026 per Musica di Seta Zénta, il nuovo album di inediti della cantautrice romagnola Chiara Raggi.

Un lavoro intenso e profondamente identitario che affonda nelle radici culturali della Romagna e nella memoria personale dell’artista. Il titolo, che in dialetto santarcangiolese significa “gente”, racchiude il cuore del progetto: un racconto corale fatto di persone, storie, destini, speranze e fragilità.

Il disco è interamente scritto nel dialetto di Santarcangelo di Romagna e nasce dall’incontro artistico con la poetessa Annalisa Teodorani, che firma i testi insieme a Raggi ed è presente nel progetto con la sua voce e alcune poesie. Il loro dialogo creativo costruisce un ponte tra musica e poesia, tra tradizione e contemporaneità, restituendo al dialetto una dimensione viva, capace di parlare al presente.

Il santarcangiolese è uno dei vernacoli più originali della Romagna, caratterizzato da una forte musicalità e dall’uso dei dittonghi che ne definiscono la struttura fonetica. È la lingua poetica di grandi autori come Tonino Guerra, Raffaello Baldini, Gianni Fucci, Nino Pedretti e della stessa Annalisa Teodorani. In questo solco culturale si inserisce il lavoro di Chiara Raggi, che attraverso il dialetto ritrova un legame profondo con la propria storia familiare.

Riminese da parte materna e santarcangiolese da parte paterna, la cantautrice riconosce nel vernacolo i suoni della propria infanzia e una parte autentica del proprio sentire. Per lei il dialetto non è soltanto una lingua, ma un modo di essere: un ritorno a una dimensione emotiva che non ha bisogno di artifici. Diventa così un vero e proprio corpo sonoro, una materia viva che prende forma nelle canzoni.

Il filo tematico che attraversa Zénta è quello del “lasciare andare”. Le canzoni si muovono attorno all’idea di abbandonare schemi e paure, accettare la perdita e aprirsi allo stupore. Si lasciano andare i luoghi comuni che ancora circondano il mondo femminile, si lascia andare chi non c’è più, ma ci si abbandona anche alla meraviglia di uno sguardo nuovo sul mondo, capace di tornare semplice come quello dei bambini.

La produzione del disco è affidata a Gianluca Morelli (LandLord, Collettivo Frontera), che insieme a Raggi costruisce un impianto sonoro contemporaneo e raffinato. Il progetto rompe l’associazione tradizionale tra dialetto e folk, dando vita a un universo musicale sognante e moderno. Le chitarre della cantautrice dialogano con synth, loop ritmici e suoni costruiti su misura per ogni brano, creando un equilibrio tra melodia e ricerca sonora.

Nel disco partecipano anche diversi musicisti della scena romagnola: Enrico Giannini al pianoforte e ai synth, Massimo Marches alla chitarra, Daniele Maggioli alla voce, Stefano Zambardino alla fisarmonica e la Banda 21 Rulli, prima banda inclusiva della Romagna diretta da Marco “Kino” Capelli.
Zénta è anche un album profondamente personale. La scrittura e la lavorazione del disco hanno coinciso con la nascita e il primo anno di vita della figlia della cantautrice, a cui il lavoro è dedicato. Un momento di trasformazione che ha portato Chiara Raggi a rileggere se stessa come donna, musicista e madre.
Tra memoria, identità e nuove visioni sonore, Zénta diventa così un disco di rinascita e consapevolezza. Un viaggio nella lingua e nelle storie della propria terra che riesce a parlare con autenticità anche al presente, restituendo alla parola “gente” tutta la sua umanità.

In Zénta il santarcangiolese non è colore locale, ma “corpo sonoro”. Quando una lingua diventa corpo, cosa chiede in cambio all’artista? Ti impone verità, ti espone, ti limita… o ti libera?

Diventare corpo, per me, significa che la lingua smette di essere “solo” uno strumento e diventa un’esperienza che attraversa. Per questo motivo chiede presenza. La lingua incarnata vive nel ritmo del respiro, nella durata delle pause, nell’energia che attraversa chi canta. È una continua richiesta di stare, in quel determinato momento, senza maschere. Proprio qui, nella ricerca più profonda della verità, comincia la liberazione da protocolli e pregiudizi. Presenza, per me, significa coerenza tra ciò che si dice e come lo si dice, nel caso specifico del canto. È un processo totalizzante e liberatorio.

Dici che tutto ruota intorno al “lasciare andare”: luoghi comuni sulle donne, la morte, il controllo, l’infanzia. Qual è la cosa più difficile che hai dovuto lasciare andare per scrivere davvero questo disco?

Ho lasciato andare l’immagine che avevo costruito di me stessa come musicista e produttrice che non può fidarsi di nessuno, o quasi. Il dover fare sempre tutto da sola per difendere la propria identità era diventato quasi una gabbia. Ho lasciato andare il bisogno di proteggermi dietro una forma, e questo mi ha esposto molto di più: meno filtri, meno sovrastrutture, mettendo un faro sugli aspetti più vulnerabili. La cosa sorprendente è che mi è piaciuto. Mi è piaciuto mollare la presa a favore di una liberazione consapevole. Ho amato, e amo, stare nella sospensione di questo lavoro perché sto imparando che l’emozione può evolvere e trovare forme sempre più vere.

Con Annalisa Teodorani la parola nasce in un territorio condiviso. Come si negozia l’autorità della voce quando la lingua è anche poesia abitata da un’altra voce?

Una voce non cancella l’altra. Qui il sentire di Annalisa abita, convive e risuona nel mio sentire, e viceversa. La parola è di tutti e diventa nostra nel momento in cui la trasformiamo, la adattiamo, la contaminamo con una prospettiva personale. Mi piace pensare di abitare questo “prestito” e di condividerlo con una voce delicata, sincera e concreta come quella di Teodorani. In principio la relazione è a due: tra te e la canzone, in una soglia di intimità tra la voce che tutti ascoltano e la propria voce interiore. Diventa “gente” quando capisci che un’emozione che canti è condivisa, quando un ricordo diventa memoria collettiva, quando lasci che la canzone sia ponte verso l’altro.

La produzione rompe l’associazione dialetto = folk. Che idea di presente volevi far suonare?

L’idea di presente che voglio far suonare non è quella del “qui e ora” che si consuma in fretta, ma un presente aperto e permeabile, dove le radici non sono un museo da visitare ma una materia viva. Possono contaminarsi, mescolarsi, senza perdere significato. Non c’è nessuna operazione nostalgia, ma il desiderio di instaurare una conversazione con il presente e con il suono che oggi mi rappresenta. Strumenti della tradizione romagnola, come la fisarmonica, dialogano con loop ritmici, suoni sintetici e cori quasi “pirateschi”. Ho suonato la chitarra classica attingendo al mio bagaglio musicale e, allo stesso tempo, tutte le parti di elettrica — in un brano con l’e-bow, per la prima volta. La musica non tradisce e non la si tradisce, se la si rispetta. Io e Gianluca Morelli ci siamo avventurati in una produzione che tiene conto delle composizioni e della mia voglia di lasciarmi andare a sonorità nuove.

L’album coincide con la nascita e il primo anno di tua figlia. Cosa ha cambiato la maternità nel tuo rapporto con la voce?

La maternità ha cambiato la mia voce, ne ha cambiato il suono, non solo il rapporto con essa. Il timbro è maturato. Le motivazioni sono certamente ormonali, fisiche e meccaniche, ma c’è anche una causa più intima che ne influenza il suono: sono cambiata. Totalmente e irrimediabilmente. Il nucleo di questo cambiamento sta in una nuova concezione del tempo: quello che dedico a mia figlia, alla musica, a me stessa, alla famiglia, agli amici, allo svago, allo studio. La coperta è sempre corta, il tempo non basta mai. Per questo la strategia che ho messo in campo è “affondare il colpo” in ogni ambito, per mettere davvero a frutto il tempo che c’è. Un tempo che può costruire.
La mia voce probabilmente risente proprio di questa necessità: non perdere tempo e andare alla sostanza. Avevo bisogno anche di questo.