Il MASI Lugano inaugura “Re-imaginings”, il progetto che riunisce le due mostre personali di Mai-Thu Perret (Ginevra, 1976) e di Una Szeemann (Locarno, 1975) in dialogo con un corpus di oltre venti lavori dalla collezione del museo, da loro scelti. Patrimonio storico e poetiche contemporanee si intrecciano in un percorso fluido e stratificato, in cui opere recenti e nuove produzioni, realizzate per l’occasione da Perret e Szeemann, entrano in relazione con dipinti, sculture e grafiche della collezione MASI, dall’Ottocento ai giorni nostri.

La mostra, la prima curata al MASI dalla direttrice Letizia Ragaglia, segna l’inizio di una stagione di appuntamenti espositivi che rafforzano il dialogo tra la dimensione internazionale del MASI e il contesto locale, invitando artisti e artiste a reinterpretare il patrimonio museale e culturale ticinese. Come suggerito programmaticamente dal titolo della mostra, al centro di questa nuova traiettoria c’è la visione del museo come luogo dinamico e delle possibilità, chiamato a un continuo esercizio di “re-immaginazione” – della collezione, del suo ruolo e dei suoi spazi.

Pur mantenendo ciascuna le proprie peculiarità, Mai-Thu Perret e Una Szeemann condividono alcune affinità: entrambe sono interessate alla circolarità del tempo, alla materia e alle iconografie femminili, che sviluppano attraverso linguaggi differenti, capaci tuttavia di generare risonanze reciproche. Le loro poetiche si muovono tra mito, natura e narrazione — Perret attraverso la decostruzione di discorsi dominanti, Szeemann attraversando i territori del sogno e dell’inconscio. Inoltre, sia Mai-Thu Perret che Una Szeemann conducono in dimensioni slegate da modalità di pensiero ancora intrise di antropocene per abbracciare una visione più olistica del mondo, spesso caratterizzata da una prospettiva femminile.

“La scelta di affidarsi alle poetiche di Mai-Thu Perret e Una Szeemann arricchisce il museo di nuove prospettive: con le due artiste viene introdotta una ‘filosofia dell’interstizio’, che sposta l’attenzione su relazioni, processi, zone liminali — in questo modo si vuole proporre una mostra che non fornisce risposte, ma instilla domande e riflessioni, diventando un luogo di potenzialità e creazione attento allo spazio delle visitatrici e dei visitatori” sottolinea Letizia Ragaglia, direttrice del MASI e curatrice della mostra.

Mai-Thu Perret presenta al MASI un gruppo di sculture ispirate ad antiche divinità e figure femminili ibride, in cui mitologia, archeologia e reinterpretazioni in chiave femminista di forme storiche si incontrano. Per l’occasione, l’artista ha inoltre creato The Garden (Il giardino), un arazzo monumentale in cui elementi vegetali e animali convivono in un unico motivo. L’opera è stata prodotta dall’atelier Gobelinos Guadalajara in Messico con la collaborazione di artigiani e artigiane locali.

Una Szeemann espone invece installazioni e composizioni materiche che attingono a simbologie arcane, al mondo onirico e all’ascolto dell’inconscio. Alla base c’è una profonda conoscenza della botanica, della geologia e delle pratiche rituali, con una particolare attenzione al territorio ticinese. Tra le sue nuove produzioni figura il neon As Above, So Below (Come sopra, così sotto), ispirato alle leggende sulle sirene e sulle ninfe dei laghi ticinesi: la sirena, essere insieme d’acqua e d’aria, diventa simbolo dell’interconnessione tra macrocosmo e microcosmo evocata dal titolo, che rimanda al pensiero ermetico. L’altro nuovo lavoro realizzato da Una Szeemann è Divine Anomalies (Anomalie divine), gruppo scultoreo composto da quattro sagome che richiamano silhouettes di corpi femminili. Collocate nel volume sospeso della punta del LAC, le divinità formano un cerchio “magico” in dialogo con il paesaggio ticinese e la sua dimensione geologica e simbolica.

Nell’esplorare le “capsule del tempo” della collezione del MASI, composta da oltre 14mila opere, Perret e Szeemann sono state guidate da approcci ibridi e suggestioni personali, eludendo a classificazioni e cronologie. Tra le creazioni delle artiste e la collezione del museo si creano così connessioni inedite e risonanze trasversali, che attraversano temi, media, stili e periodi diversi della storia dell’arte: dal busto ottocentesco Giulietta di Adelaide Maraini-Pandiani alla tela monumentale Le ghirlande del pittore storicista Giuseppe Sciuti, passando per l’opera grafica di Fidus fino a figure radicali del Novecento, con artiste che hanno messo in discussione una visione monolitica e lineare della storia dell’arte, come Carol Rama, VALIE EXPORT e Ulla von Brandenburg.

Spesso Perret e Szeemann sono giunte a scelte condivise, come nel caso di Meret Oppenheim, figura centrale dell’arte svizzera del Ventesimo secolo, la cui ricerca ha esplorato l’onirico, l’ironia, la femminilità e la natura. Emblematica appare, inoltre, la scelta comune di Le radeau (La zattera) di Leonor Fini, con cui si apre il percorso della mostra al MASI. Ribaltando lo stereotipo della “donna da salvare” Fini dipinge due donne che navigano su una zattera come padrone del proprio destino, mentre incontrano lo sguardo del pubblico con consapevole fierezza.

L’allestimento della mostra, a cura di Marco Palmieri Studio, invita il pubblico ad accogliere le narrazioni di “Re-imaginings” gradualmente, offrendo un percorso all’insegna della scoperta e capace di assecondare risonanze trasversali.

La mostra di Mai-Thu Perret

Fonti storico-artistiche, letterarie e biografiche si mescolano nel lavoro di Mai-Thu Perret, insieme a una componente fittizia, che permette all’artista di intrecciare diversi livelli di narrazione. Nelle opere esposte al MASI, ispirate ad antiche divinità, contro-narrazioni inaspettate e utopiche prendono forma attraverso cortocircuiti temporali ed estetici, come in Siren I e Siren II, 2024. Le due figure in ceramica e bronzo, a grandezza naturale, si presentano al pubblico frontali, quasi minacciose. Liberamente ispirate a due sculture in terracotta del IV secolo a.C. conservate al Museo Archeologico Nazionale di Taranto, riprendono le sirene della tradizione omerica come esseri ibridi, metà donne e metà uccelli. Perret ne recupera così la dimensione distruttiva e irrazionale, sottraendole all’immaginario di creature sensuali dal canto seducente costruito dalle successive interpretazioni patriarcali.

Il divino femminile smette di essere un’immagine da ammirare per diventare una forma solida, in grado di sorreggere mondi, in Nut I, 2026. Nella scultura in ceramica blu, la dea egizia del cielo è infatti trasformata in una struttura minimalista — qui l’artista si riallaccia a forme di conoscenza ancestrali, legate ai cicli della natura e all’idea di rigenerazione, di cui la dea celeste è portatrice.

Nelle mani di Perret, la scultura della dea romana Minerva, custode del sapere e protettrice degli artigiani, dei poeti e delle poetesse, assume i tratti di una parente dell’artista, donna eurafricana, ed è interamente realizzata in ceramica smaltata rossa. Con il suo colore acceso, Minerva I, 2022, trasfigura il significato originario della divinità, richiamando la rivoluzione, il sangue mestruale e la ciclicità del corpo femminile.

La scultura Flow my Tears I (Scorrete, mie lacrime I), 2011, realizzata per la Biennale di Venezia, ha invece il volto di un’amica di Perret, la musicista e performer Tamara Barnett-Herrin. La figura esposta al MASI è a grandezza naturale e indossa una replica del celebre Skeleton Dress (1938) di Elsa Schiaparelli, disegnato da Salvador Dalí. L’abito, che riproduce le forme delle ossa umane direttamente sul tessuto con una trapuntatura ricamata, venne considerato un’offesa al buon gusto e al perbenismo dell’epoca.

Il repertorio di Mai-Thu Perret rivela, inoltre, una particolare attenzione per i territori inesplorati e per il mondo naturale e animale, evidente in The Garden (Il giardino), 2026. La nuova opera realizzata per “Re-imaginings” è un arazzo di grandi dimensioni che allude alla topografia di un giardino. Il suo disegno è infatti liberamente ispirato ai lavori di Meret Oppenheim sulle forme organiche, in particolare al pastello Alpines Füllhorn (Cornucopia alpina, 1946), conservato al Kunstmuseum Bern, di cui riprende la struttura embrionale e metamorfica: un motivo ibrido, vegetale e animale, che celebra l’interconnessione tra le diverse forme di vita dell’universo.  L’arazzo è stato realizzato a Guadalajara, in Messico, presso l’atelier locale Gobelinos Guadalajara, grazie alla maestria di artigiani e artigiane del luogo.

La mostra di Una Szeemann

Il giardino come luogo in cui tutto è connesso di Mai-Thu Perret si relaziona all’idea dell’universo inteso come ecosistema insita nelle opere di Una Szeemann. Per la mostra “Re-imaginings”, l’artista è tornata alle esperienze formative vissute sul Monte Verità ad Ascona, riavvicinandosi alle molteplici narrazioni — artistiche, spirituali e geologiche — che si sono stratificate attorno a quel luogo.

Sono stati infatti raccolti sul Monte Verità e nei luoghi limitrofi i rami di betulla, castagno, frassino e tiglio — alberi in passato utilizzati nella medicina e nelle pratiche magiche — che l’artista ha fuso per realizzare la serie di sculture Incantarsi, 2024, coronandoli con una cima ricavata dalla brattea della palma. Nel processo artistico, i rami assumono un aspetto a metà tra fulmini e scope di strega, evocando l’universo orale e animistico dell’Europa precristiana e contadina.

Percezione e immaginazione sono inseparabili nella produzione di Una Szeemann. Dall’osservazione della resilienza delle piante di banano del suo giardino a Tegna è nata l’opera The Birds Said You Move (Gli uccelli lo hanno detto, tu ti muovi), 2021-2026. Presentate su un tavolo come un’offerta agli dei, queste sculture trasformano la natura del banano — che racchiude perpetuamente vita e morte — in un veicolo, fisico e spirituale, verso altre dimensioni.

Un “paesaggio dell’inconscio”: così l’artista ha definito la sua produzione. Un esempio in questo senso è la scultura monumentale Auf einem langen Schatten (Su una lunga ombra), 2018, formata da pelli di vacca nere. Sottratte alla loro funzione originaria di rivestimento corporeo, le pelli si aprono a nuove interpretazioni, in cui risuonano la metamorfosi di un corpo e un materiale che si apre alla dimensione dell’immaginario, dando forma a elementi magici e mitologici.

Un continuum tra mito e materia, paesaggio e leggenda, visibile e invisibile riecheggia anche nell’opera neon As Above, So Below (Come sopra, così sotto), 2026, realizzata dall’artista per la mostra al MASI. Il titolo richiama il principio dell’analogia universale dell’antica filosofia ermetica, poi ripreso dalle tradizioni occulte, secondo cui l’universo è un unico organismo vivente, in cui il microcosmo rispecchia il macrocosmo e la realtà si comprende mettendo in relazione ciò che conosciamo con ciò che resta ignoto. Questo principio prende corpo nella sirena, creatura d’acqua e d’aria protagonista di numerose leggende dei laghi ticinesi, e nella sua iconografia arcaica, con pinna e ali d’uccello.

Infine, miti arcaici e immaginario femminile fanno da cassa di risonanza alle sagome di marmo che compongono l’altro lavoro prodotto da Una Szeemann per “Re-imaginings” e intitolato Divine Anomalies (Anomalie divine), 2026. La scultura scava letteralmente e metaforicamente nel tessuto geologico del Ticino — è stata infatti realizzata in marmo Cristallina estratto a Peccia. Le lastre rappresentano quattro sagome che richiamano silhouettes di corpi femminili e sono state incise con simboli ed elementi che attingono al vasto mondo delle divinità femminili, rielaborati in chiave contemporanea — dalle Veneri preistoriche della cava Balzi Rossi di Ventimiglia alla Venere di Waldstetten fino ad Ecate, divinità mitologica greca, signora della magia e della stregoneria, per citarne alcuni. L’insieme di queste divinità in marmo, dal fascino magnetico e ancestrale, forma un cerchio “magico”, la cui energia si estende al pubblico che lo incontra.

In occasione della mostra verrà pubblicato un catalogo bilingue (italiano/inglese), edito da Verlag Scheidegger & Spiess / Park Books ed Edizioni Casagrande, con un contributo curatoriale di Letizia Ragaglia e saggi di Estelle Hoy e Jennifer Higgie.

Il Relax Corner – nato dalla collaborazione del MASI con il Centro scolastico per le industrie artistiche (CSIA) e la Scuola specializzata superiore d’arte applicata (SSS’AA) del Dipartimento dell’educazione, della cultura e dello sport (DECS) – trasforma il foyer del secondo piano del museo in un luogo vivo e fruibile. Ispirato al mito di Elpis, dea della Speranza, questo spazio dedicato alla sosta e alla contemplazione celebra, attraverso materiali e colori, la capacità della vita di rifiorire nonostante le avversità. 

Opere della collezione del MASI selezionate da Mai-Thu Perret

Adelaide Maraini Pandiani, Giulietta, 1880; Giuseppe Sciuti, Le ghirlande, 1885 circa; Ignoto, Spighe di riso mature, XIX secolo; Ignoto, Taishan Quantu, fine XIX-inizio XX secolo; Adolf Dietrich, Kuckuck auf Tannenzweig, 1928; Meret Oppenheim, Votivbild (Würgengel), 1931; Leonor Fini, Le radeau, 1940-1943; Ignoto, Zhi sheng xian shi Kongzi lin tu, 1945 circa; Meret Oppenheim / Roberto Lupo / Anna Boetti , Auch die Engel können nicht immer fliegen, 1975; Meret Oppenheim, Jardin Japonais, 1977; Meg Webster, White Lingam, 1988.

Opere della collezione del MASI selezionate da Una Szeemann

Fidus, Walzer I-V, 1894; Leonor Fini, Le radeau, 1940-1943; Nina Barka, Paradiso terrestre, 1969; Meret Oppenheim, Etwas unter einem Heuhaufen, 1969; VALIE EXPORT, Körperkonfiguration: Auflegung, 1972; Margherita Turewicz-Lafranchi, Infiorescenze, 1998; Carol Rama, Untitled, 2003; Karishma D’Souza, Republic 2, 2017; Ulla von Brandenburg, Schlangenfrau / Femme avec serpent, 2023.

Mai-Thu Perret

Mai-Thu Perret (*1976, Ginevra) vive e lavora a Ginevra. Nel 2022 ha presentato il suo lavoro allo Swiss Institute di Roma e in una mostra doppia con le opere di Sophie Taeuber-Arp al Cabaret Voltaire di Zurigo. Nel 2019 è stata invece protagonista di una mostra antologica al MAMCO di Ginevra.

Ha tenuto inoltre diverse mostre personali, tra le quali quelle allestite presso: Le Portique – centre régional d’art contemporain du Havre, Le Havre (2020); Badischer Kunstverein, Karlsruhe (2019); Spike Island, Bristol (2019); Nasher Sculpture Center, Dallas (2016); Le Magasin, Grenoble (2012); Haus Konstruktiv, Zurigo (2011); University of Michigan Museum of Art, Ann Arbor (2010); San Francisco Museum of Modern Art (2008); Renaissance Society presso la University of Chicago (2006).

Tra le mostre collettive recenti figurano: New Time: Art and Feminisms in the 21st Century, Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive (2021); Les Flammes, Musée d’Art moderne de la Ville de Paris (2021); Emma Kunz Cosmos. A Visionary in Dialogue with Contemporary Art, Aargauer Kunsthaus, Aarau (2021); Like Life: Sculpture, Color, and the Body (1300–Now), Met Breuer, New York (2018).

Una Szeemann

Una Szeemann (*1975, Locarno) vive e lavora tra Zurigo e Tegna. Le sue opere sono state esposte in numerose mostre personali e collettive ospitate in diverse istituzioni, tra le quali: MAN Museo d’Arte Nuoro (2024); Kunsthaus Zürich (2024); Kunsthalle Winterthur (2018); Kunstmuseum Luzern (2015); Kunstverein Hamburg (2015); Museo Cantonale d’Arte, Lugano (2014); Belvedere 21, Vienna (2012); Nam June Paik Art Center, Seoul (2009); Kunsthalle Wien (2005); Contemporary Art Center, Vilnius (2004); Fundació Joan Miró, Barcellona (2004).

Ha inoltre esposto a: Manifesta 11, Zurigo (2016); 3ª Biennale Contour, Mechelen (2007); 9ª Biennale di Lione (2007); 52ª Biennale di Venezia (2007); 5ª Biennale di Busan (2006).

È stata docente alla Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK) e alla Haute École d’Art et de Design di Ginevra (HEAD); ha inoltre tenuto conferenze e workshop all’École cantonale d’art de Lausanne (ECAL), alla Facoltà di Filosofia dell’Università Cattolica di Milano, all’Akademie der Künste di Monaco e all’Akademie der bildenden Künste di Vienna.